Giysilerin, fotoğrafların ve suluboya eskizlerinin dinamik gösterimi ile , New York Şehri Müzesi'ndeki 2013 Stephen Burrows: When Fashion Danced sergisi , ismine uydu ve performans sanatı olarak modanın en önemli örneğini temsil etti. Burrows'un benzersiz tarzıyla (göz kamaştırıcı bir palet, renk bloklu desenler ve dalgalanan marul kenarlı paçalar) giyinmiş kinetik olarak pozlanmış mankenler, 1970'lerin kulüp sahnesinin yüksek enerjili dans hareketlerini uyandırdı. Etkisi, enstalasyon kadar performanstı ve yıldızlarla dolu açılışta ikonik model Iman, Burrows'un modadaki başarılarının bir müzede kutlanmasından büyük mutluluk duyduğunu ifade etti.
Diana Vreeland bu trendi başlattığında, bir zamanlar kültürel eserler veya zanaat örnekleri olarak kabul edilen kıyafetler, müze sergilerinin merkezine taşındı. 1972'de, Vogue ve Harper's Bazaar dergilerinin eski editörü, New York City'deki Metropolitan Museum of Art (the Met's) Kostüm Enstitüsü'nün yönetimini devraldı. Parlak bir fotoğraf çekiminin tüm zarafetiyle tasarlanan muhteşem sergileri, yardımcı bir koleksiyonu yüksek profilli bir cazibe merkezine dönüştürdü, eşi görülmemiş kalabalıkların yanı sıra cömert müşterilerin modern ve çağdaş tasarımlarının bağışlarını, tarihi eserleri dönüştüren teklifleri çekti. Vreeland'ın idaresi altında, popüler moda cazibesi, tarihi kostümün köhne nosyonunu canlandırdı.
Geçtiğimiz on yılda, Fransız dönemi odalarındaki abartılı 18. yüzyıl giysilerinin bir yerleştirmesi olan Met'in “Tehlikeli İlişkiler” (2004) gibi sergiler, müze koleksiyonlarındaki kıyafetlerin durumunu ve profilini yükseltti. Buna ek olarak, 2011'de moda retrospektifi “Alexander McQueen: Savage Beauty” Kostüm Enstitüsünde düzenlenen bir moda sergisi için Met katılım rekorlarını kırdı ve güzel sanatlar açısından modayı yeniden tanımladı. 2013 yılında eşi görülmemiş sayıda sergi, ana konseptin parçası olarak hem tarihi hem de moda olan kıyafetleri içeriyordu. The Met, 19. yüzyılın sonlarında Fransa'da modanın rolünü kutlamak için tabloların yanı sıra orijinal giysiler sunan "Empresyonizm, Moda ve Modernite" adlı üç müzeden biriydi ve Met, "Punk: Chaos to Couture"“Sanat, sokak hayatı, yaşam tarzı ve moda arasındaki çizgiyi bulanıklaştıran bir kültürel fenomen olarak punk'ın keşfi. Bir diğer gösteri ise, geleneksel olmayan gardırobunun sanatsal pratiğinin bir parçası olarak sunulduğu Casa Azul'daki (eski adıyla Mexico City'deki ressamın evi) "Görünümler Aldatıcı Olabilir: Frida Kahlo'nun Elbiseleri" idi.
Çağdaş sanatta buna karşılık gelen bir moda kucaklaması görüldü. Belçikalı sanatçı Isabelle de Borchgrave, büyüleyici tam ölçekli giysi heykelleri için Botticelli ve Bronzino gibi Rönesans ustalarının portrelerinden ve Mariano Fortuny ve Christian Dior'un klasik couture tasarımlarından ilham aldı; dekoratif veya yapısal her özellik kağıt üzerinde titizlikle işlendi. Chicagoan Nick Cave'in tüm vücut Soundsuits'i maskeli balo ile giyilebilir heykelleri birleştirdi. İngiliz-Nijeryalı sanatçı Yinka Shonibare'nin en sevdiği araç, tarihsel olarak ilham alan giysiler ürettiği Hollandalı Vlisco şirketi tarafından yapılan çift taraflı batik kumaştı. Vlisco kumaşı ilk olarak 1846'da Endonezya'nın yoğun emek gerektiren balmumu-batik tekniğine alternatif olarak üretilmiş bir alternatif olarak yaratıldı. Daha sonra batı ve orta Afrika'da pazarlandı,yerel seçkinler arasında popüler hale geldiği yer. Shonibare, kumaşı “melezlenmiş” olarak tanımlıyor ve kökenlerinin karmaşıklığı, kışkırtıcı tablolarına sembolik ağırlık ve güzellik katıyor.
Genç Amerikalı sanatçılar arasında moda, ilham veya ikonografiden daha fazlasını sağladı; kimlik ve estetik açısından sanatlarının ayrılmaz bir parçasıydı. This Yellow Shell (2013) ve Soul Elsewhere gibi yumuşak heykelleri giydirmek(2013), Brooklyn merkezli Shinique Smith, tişörtleri, kot pantolonları ve spor ayakkabılarını manipüle etti. Tanıdık giysilerin garip mutasyonu, kıvrımlı formlarının güçlü yaşam gücünü artırdı. Kehinde Wiley, ünlü Avrupa resimlerinden ilham aldı, ancak 2013'teki "Memling" sergisindeki sekiz portrede görüldüğü gibi, Hans Memling'in muhteşem giysili azizlerini ve Flaman burgher'lerini, agresif kentsel hip-hop tarzı giyinmiş genç Afrikalı Amerikalı erkeklerle değiştirdi ve New York sokak kültürü. Delano Brown, modayı sanatına o kadar entegre etmişti ki Manhattan'ın Aşağı Doğu Yakası'ndaki Smart Clothes Gallery'deki sergisi sırasında canlı modeller tarafından giyilen elbiselerin üzerine çiçek desenleri boyadı. Brown, yönteminin - parça performansı ve parça üretiminin - sanatı erişilebilir hale getirdiğini söyleyerek, "50.000 dolarlık bir tuvalin aksine,"Bir giysi" herkesin anladığı bir şeydir. "
Eleştirmen Holland Cotter, "Beyaz Yapraklar Sarı Kalbinizi Çevreliyor" hakkındaki incelemesinde - "Ne ise onu giyersiniz" önermesini araştıran (Philadelphia Çağdaş Sanat Enstitüsü'nde düzenlenen) bir 2013 grup sergisi - " moda-sanat olayı ”" dağınık ve kafa karıştırıcı "hale gelmişti. Bir zamanlar moda ve sanatı bölen sınırlar tamamen geçirgen hale geldiğinden, moda tasarımcıları sanat dünyasındaki bir varlık olarak giderek daha alakalı hale geldi. Örneğin, yetenekli bir fotoğrafçı olarak ün kazanmış olan moda tasarımcısı Karl Lagerfeld, 2013 yılında, St. Moritz, Switz'deki Galerie Gmurzynska'da, cama ateşle işlenmiş duvar boyutunda arkadan aydınlatmalı resimlerden oluşan bir "Ateş Çizimleri" sergisi düzenledi . Ayrıca 2013 yılında aksesuar tasarımcısı Reed Krakoff, Whitney Amerikan Sanatı Müzesi ödülünü aldı. Etkinliği işaretlemek için birkaç sanatçı kaydetti,özellikle heykeltıraş ve matbaacı Kiki Smith ve fotoğrafçı Nan Goldin, popüler Reed Krakoff Track tote çantasının özelleştirilmiş versiyonlarını oluşturmasına yardımcı olmak için; kutular ödül töreninde sergilendi ve ardından hediyelik eşya dükkanından satışa sunuldu.
2007'de Damien Hirst'in Levi's ve Takashi Murakami'nin Louis Vuitton için yaptığı tasarımlar (Los Angeles'taki Çağdaş Sanat Müzesi'ndeki çalışmalarının retrospektifinde sergilenen bir hediyelik eşya dükkanında sergileniyor), güzel sanatlar ve tüketicilik arasındaki ilişki hakkında ateşli eleştirel tartışmalara yol açtı. . Ancak 2013 yılına gelindiğinde, sanatçı tarafından tasarlanan bu tür ürünler yalnızca tüketiciler tarafından istenmiyordu, aynı zamanda eleştirmenler tarafından da değerlendiriliyordu. Ayrıca, ürünler için komisyonlar ve ürettikleri tanıtım sanatçılar tarafından merakla aranıyordu. Sokak sanatçıları Retna, Aiko ve ikiz kardeş ekibi Os Gemeos, Louis Vuitton'un lüks ipek eşarpları ve şalları için cesur grafiti motifleri yarattı. Vuitton'un sonbahar-kış erkek giyim koleksiyonu, Chapman Kardeşler (Jake ve Dinos) tarafından hazırlanmış baştan aşağı bir takım sergiledi."Cehennemdeki Bahçe" motifleri, Vreeland'ın Manhattan dairesinden esinlenerek kan kırmızısı bir arka plan üzerinde birbirine dolanan dallar, çiçekler ve stilize hayvanlardan oluşan bir kumaştan oluşuyordu. Alexander McQueen moda evi, McQueen'in eşarp serisinin tanıtımının 10. yıldönümünü kutlamak için son tasarımcının kafatası fularının yeni bir baskısını yaratmak için Hirst'e başvurdu; Hirst, kendi 2009 Entomoloji serisinden aldatıcı böcekleri, kelebekleri ve örümcekleri McQueen'in imza kafatasları üzerinde sürünen teçhizatlar olarak yeniden yarattı.Hirst, kendi 2009 Entomoloji serisinden aldatıcı böcekleri, kelebekleri ve örümcekleri McQueen'in imza kafatasları üzerinde sürünen teçhizatlar olarak yeniden yarattı.Hirst, kendi 2009 Entomoloji serisinden aldatıcı böcekleri, kelebekleri ve örümcekleri McQueen'in imza kafatasları üzerinde sürünen teçhizatlar olarak yeniden yarattı.
Tasarımcılar, özellikle Yves Saint Laurent'in renkli bloklu Mondrian elbisesinde (1965) ve kalplerin ve yüzlerin grafik aplikelerini içeren Pop art serisinde (1966) görüldüğü gibi, ilham almak için sanata yönelmişlerdi. McQueen 1999 ilkbahar-yaz şovu sırasında iki boya püskürtme robotunu, Shalom Harlow modelinin pikap üzerinde dönerken giydiği askısız bir elbise olan 13 numaralı askısız elbiseyi siyah ve sarıya dönüştürmek için podyuma taşıdı soyut resim. Sonbahar 2013 koleksiyonlarında, birkaç tasarımcı sanat tarihi sözlüğüne farklı bir övgüde bulundu: Maria Grazia Chiuri ve Pier Paolo Piccioli, Flaman portresinin silüetlerini ve lüks kumaşlarını Valentino için hazır giyim olarak revize etti. İtalya'nın Ravenna şehrinde bulunan mozaiklerden uyarlanan Bizans sanatı, Dolce & Gabanna topluluklarını süsledi,küçük altın kronlarla aksesuarlanmış. Tasarımcı Raf Simons, Dior için eğlenceli grafik motifler tasarlarken sanatçı Andy Warhol'u ilham kaynağı olarak aldı. Bununla birlikte, tasarım ve performansı kusursuz bir şekilde birleştiren Viktor & Rolf'du. Paris'teki 20. yıl şovları için couture köklerine geri döndüler ve gösterişli mat siyah yünle yutan giysiler yarattılar. Her model yavaşça piste yürüdü, durdu ve giyinik vücudunu heykele dönüştüren bir pozla kendini yere indirdi. Bir Zen meditasyon bahçesinde kasıtlı olarak düzenlenmiş kayaların basit ama heyecan verici biçimlerini anımsatan nefes kesici kolektif tablolar, sanat ve moda arasındaki sınırlar hakkındaki dırdırcı soruyu dindirdi. Viktor & Rolf kavramsal sanat ve moda tasarımı arasındaki farkı reddederek modayı performans sanatı olarak yeniden tanımladı.
